Jose Luis López Galván

“Es muy cruel dejar que las ideas se pierdan”

El fototropistas / Óleo sobre tela / 132.3 x 132.3 cm / 2016

JOSÉ LUIS LÓPEZ GALVÁN 

Por Avelina Lésper

Es un joven misántropo que estudia a Velázquez para interpretar su propia imaginación, y crear su lenguaje. 

LA SEDUCCIÓN

Cuando empecé a pintar estaba fascinado con Velázquez y luego estudié a otros artistas, a Goya, a Rembrandt, eran los que me gustaban porque cuando no te dedicas en específico al arte, cuando no estudiaste la carrera como artista, te lleva lo primero que te llama, lo que te gusta, no lo que tú crees que puede ser arte, y eso a mí me fascinó porque me preguntaba cómo logran esa magia, porque para mí es como un truco de magia, cómo me hace creer que en este plano, en este lienzo, hay algo tridimensional.  

MANIFESTAR LO INVISIBLE

Además de Velázquez, he buscado formas de expresar mi propio mundo, a veces hay cosas que imagino y siento que deberían existir, que no es justo que las deje ahí, que las mate, criaturas, formas, que digo “esto no lo he visto pero está aquí, quiero que exista”, entonces sí no lo pinto, siento que se muere. Cuando puedes hacer algo es muy cruel dejar que las ideas se pierdan. 

PINTAR LO ESENCIAL

Quiero representar el mundo real, pero la esencia de las cosas, no lo que damos a entender. Soy una persona que no sale mucho, y cuando salgo noto muchas cosas, puedo darme cuenta inmediatamente quién es hipócrita conmigo, por qué sonríe así, por qué se para así, por qué da dos pasos atrás cuando me acerco. Cosas así me llaman la atención, soy muy sensible, de hecho me cuesta mucho trabajo salir a la calle, creo que eso tiene que ver con la oscuridad que hay en mis pinturas, no soy alguien que conozca el exterior. 

URGENCIA DE PINTAR

Pensar en la pintura me mantiene sin dormir, siempre estoy pensando que tengo que seguir, cuándo haré esa obra, cuándo haré esa obra importante que sé que ahí está pero que va a morir mañana. Tengo poco tiempo, todos tenemos poco tiempo porque puedes morir hoy mismo y se acabó esto, es todo lo que hice y lo que está en los cuadernos que tengo allá pues tal vez ahí quede. Me preocupa que tengo prisa para hacer todo lo que estoy pensando y todo lo que quiero terminar. 

CUERPO 

Empecé con figura animal y fue lo que más hice desde que era niño, no dibujaba personas; dibujé personas hasta hace como 6 años, no me llamaba la atención, decía yo “habiendo tantos modelos de anatomía ¿por qué nos quedamos con el más aburrido?”. El de nosotros es el que vemos todo el tiempo, y terminé haciendo figura humana porque le agarré el gusto, entendí que la mano humana casi es un cuerpo completo, la cabeza expresa mucho, un solo ojo expresa demasiado, y me di cuenta del poder de eso. 

EL SOL DE JOSÉ LUIS  

Tiene algo de Velázquez y algo de lo que ahora trabajo mucho que es la deformación anatómica, que me tiene fascinado. Era perfecto para resumir al Sol porque es un círculo y de ahí no me salí. Hay un círculo que se crece constantemente y de ahí viene la composición principal, pero son dos, hay una composición radial en donde está el Sol y que escapa hacia fuera; al mismo tiempo hay otro tipo de composición en la que trato de equilibrar los pesos y agrego elementos. El brazo está arriba porque Marte está de este lado, es equilibrado como un reloj. Es algo que se está moviendo y representé al mismo Universo, primero al Sistema Solar y cortar, el lienzo está cortado, porque puede continuar porque el Universo es infinito. 

Sin título (Periódico intervenido) / Óleo sobre papel (Diario Extra) / 41 x 28 cm / 2016

Emigró de la carrera de diseño buscando la libertad de crear, manifestar las ideas que surgían de su imaginación. Estudio en el Instituto Cabañas pero es básicamente autodidacta que observa detenidamente a los grandes maestros. 

Cristina Samsa

“Mi obra es una declaración de guerra en contra de la humanidad”

La Luna del Armagedón / Óleo, acrílico y alquídico sobre tela / 134.4 x 134.1 cm / 2016

CRISTINA SAMSA 

Por Avelina Lésper

En su estudio convive con la colección de insectos que le inspiran y habitan en su obra. 

INSECTO ES ESTÉTICA 

Me baso en ideas naturalistas, por ejemplo admiro mucho a Dru Drury, definitivamente retomé sus trabajos, llevo mucho tiempo estudiando a los insectos, su anatomía y me fui dando cuenta que me gustaba mucho más que pintar temas más clásicos como la figura humana o paisaje.  

INSECTO ES MIEDO

Definitivamente los insectos a la mayoría de las personas les provocan una fobia, una repulsión y precisamente eso es lo que busco que la gente vea en mis cuadros, que recuerde que los insectos son los que siempre han reinado en la Tierra. Ese miedo es natural, los insectos han sido nuestros enemigos ancestrales a lo largo de la Historia, los venenos que tienen o los virus o las bacterias que portan han causado más muertes que cualquier guerra o cualquier desastre natural. Busco en mi obra provocar ese miedo. 

INSECTO ES PERFECCIÓN

Todas las toxinas, todos los contaminantes que produce el ser humano nos hacen daño pero a los insectos los hacen cada vez más fuertes, si alguna vez tendríamos que sobrevivir a nuestra propia contaminación, sería precisamente fusionándonos con insectos. No es que yo quiera hacerlos bellos, es que son perfectos, son el culmen de la evolución, nos superan en todos los aspectos, en tecnología, son mucho más sabios que nosotros, pero principalmente a mí lo que me interesa es el aspecto estético. Creo que un insecto muerto, disecado es mil veces más majestuoso que cualquier humano vivo. Los insectos no entran en descomposición por su exoesqueleto, siguen siendo hermosos después de la muerte. 

INSECTO INTELIGENTE

Todos los días se descubren nuevas especies que mutan constantemente, se adaptan como decía Darwin. La superioridad de una especie no se mide por su inteligencia o por su fuerza, está en su capacidad de adaptabilidad. Los insectos se adaptan constantemente y todos los días se descubren especies distintas, definitivamente no creo que la inteligencia humana sea superior, la inteligencia pertenece a aquellas especies que viven en perfecta armonía, en perfecto equilibrio con las tres leyes de la ecología, el ser humano no posee esa característica, creo que su principal característica es la estupidez.

LA LUNA, EL INSECTO Y CRISTINA SAMSA

Es la Luna del Armagedón, me basé en un pasaje del Apocalipsis, cuando se rompa el Séptimo Sello, habrá un gran terremoto, el Sol se pondrá negro como si se hubiera vestido de luto y la Luna se tornará roja como la sangre. Creo que en un futuro los insectos gobernarán totalmente la Tierra, cuando hayamos acabado con ella, cuando la hayamos convertido en un desierto radioactivo, pues obviamente los insectos que pueden soportar cualquier radiación, cualquier toxina que los humanos generen. Los insectos se adaptarán y terminarán reinando sobre la Tierra. Me niego a pintar la figura humana, porque el ser humano es una peste que ha destruido el planeta, que diario extingue especies que a la selección natural le ha costado millones de años formar. En mi obra lo que busco es causar miedo en el corazón de la humanidad, mi obra es una declaración de guerra en contra de la humanidad.

Sin título (Periódico intervenido) / Óleo sobre papel (Diario Extra) / 41 x 28 cm / 2016

A pesar de haber estudiado con distintos maestros se considera autodidacta, porque sola aprendió a pintar la anatomía de los insectos, su verdadera herencia está en los naturalistas, Joris Hoefnagel, Jan van Kessel, Eugène Alain Séguy. Vestida de negro, elegante como sus modelos, su tema, su obsesión. 

Avelina Lésper: Próxima conferencia

Avelina Lésper, directora de la Colección Milenio Arte impartirá conferencia dentro del Foro Internacional Aciertos y retos de la difusión cultural y extensión universitaria. 

Conversatorio debate “Qué hacemos con el arte”

Centro Vlady ubicado en Calle Goya 63, Insurgentes Mixcoac, 03920 Ciudad de México.

La cita es el día 17 de noviembre del 2016 a las 17 horas. 

Entrada Libre. 

Antonio Chaurand

“El sentido emocional de la luz es algo que siempre está conmigo”

Mi Sol / Óleo sobre tela / 133.8 x 133.8 cm / 2016

ANTONIO CHAURAND

Por Avelina Lésper

La anécdota de su pintura es la inasible presencia de la luz, es personaje, búsqueda, misterio. 

REALIDAD PICTÓRICA

En la escuela que tuve de pintura hay una búsqueda mediante el color y los campos de color. Hacer entender cualquier figura, fondo o tipo de luz solamente con el uso de los campos de color, esto poco a poco me fue obligando a abstraer y a incluir menos detalles, a decir más cosas con menos materia. Es un proceso, inicié relativamente más realista para aprender la técnica y para ir aprendiendo cómo lograr esta abstracción con menos elementos, más austero para que se vuelva más expresivo. Lograr expresar con una pincelada horizonte, luz y profundidad en vez de que con muchas es a lo que intento llegar. 

LUZ INTERIOR

No es un decisión consciente, es más bien una intuición, me resulta más interesante pintar la misma imagen pero con una luz distinta. El sentido emocional de la luz es algo que siempre está conmigo. También he hecho paisaje al natural, tengo una serie que hice con Miguel Ángel Garrido, nos salimos a pintar y es un ejercicio muy distinto convivir con el paisaje, estar bajo el Sol, incluso con la lluvia, con los moscos, con el calor que te quema el cuello, pero hay algo en el interior que me hace sentir más cómodo. Soy muy territorial, muy de mi espacio, y cualquier proceso pictórico es autobiográfico, proyectas inconscientemente tus traumas, frustraciones, gustos, tanto lo bueno como lo malo, supongo eso son mis interiores.

LUZ PICTÓRICA

Me voy por la luz y por la composición, a veces veo una foto y ni siquiera he revisado el contenido temático o lo que sea, pero sé que no la quiero, y a veces veo una y digo ésta y ni siquiera veo quién está ahí o qué está pasando y veo la luz, los contrastes, los colores, es lo primero que me atrapa para decidir pintarla o no.

CONTINUIDAD DE LA REALIDAD

Cada serie, incluso cada cuadro individualmente, funciona distinto desde el principio, no siempre abordo un cuadro de la misma manera, a veces hago un dibujo más detallado, a veces son sólo cuatro líneas que me indican dónde están las cosas y a partir de ahí empiezo a construir. Hay veces que he tenido bien claro lo que quiero en una serie, sobre ese tema en específico, de tantos cuadros o tantos tamaños. En ocasiones simplemente empiezo a pintar y luego me doy cuenta que esos cuadros juntos forman una serie, pero no tengo una metodología específica de cómo empiezo o cómo termino una serie. El mismo proceso me va indicando qué tanto debo hacer y qué tanto tengo que recortar.

EL SOL DE ANTONIO CHAURAND

No quise caer en un Sol muy predecible, en la playa o el jardín. Para empezar me gusta mucho pintar interiores donde está entrando una luz, porque la luz se vuelve un personaje. Mi intención fue que la luz del Sol fuera otro personaje ahí presente y que no fuera tan evidente que es un cuadro sobre el Sol. Me llamó la atención la intensidad del Sol entrando desde afuera y haciendo estos reflejos en los azulejos, en la orilla de la cabeza, en las máquinas, en todas las esquinitas. La calidez del bebé en el centro irradia luz como el Sol.

Sin título (Periódico intervenido) / Óleo sobre papel (Diario Extra) / 41 x 28 cm / 2016

Llegó a San Miguel de Allende para estudiar Artes Visuales en el Instituto Allende y se  enamoró de la tranquilidad del pueblo. El maestro que lo motivó hacia la pintura fue Guillermo Guerrero y después estudió con Miguel Ángel Garrido. En esta época tecnológica prefiere hacer la obra, construir su prensa para grabado, palpar los materiales. 

Maricela de la Toba

“La pintura es una prolongación de la poesía”

Mi geografía / Óleo, acrílico y acuarela sobre tela / 134.5 x 134.5 cm / 2016

MARICELA DE LA TOBA

Por Avelina Lésper

En su taller escuela hay obras de sus distintas series, tan opuestas entre sí que parecen de distintos autores. 

EN OTRA PARTE

Creo que escribo y pinto a otras realidades, como escapando o evadiendo o creando un mundo diferente en el que estoy, no necesariamente que no me guste, pero diferente. A veces, por ejemplo, el novelista escribe para salirse de la realidad que no le gusta. Creo que busco en mis pinturas algo de paz, algo de tranquilidad y me gusta estar en ese espacio y el estudio es un espacio de paz cuando estoy trabajando.

CONSTANCIA

Soy una persona con mucha disciplina, tengo marcados mis horarios y a veces me molesta quebrar esa rutina, es como un todo. La musa me llega trabajando y me emociono cuando estoy mezclando colores porque es un laboratorio experimental, ¿cuál es el mejor cuadro? Creo que el último. No puedo decir que una técnica está completa y absolutamente terminada porque no es cierto, me he encontrado con cuadros que pinté hace un mes, hace medio año y veo ingenuidad o inmadurez en ciertos detalles, quizás éste lo vea en unos años y sienta exactamente lo mismo. Me dedico todo un mes a producir azules, porque he notado que es como el pianista, o como cuando escribo, pienso “fíjate que tengo ganas de decir todo esto y tengo unos temas borboteando aquí, en el pecho, y que los he anotado” y empiezo el primer poema y para el tercero o cuarto parece que ya van teniendo su propio movimiento. Así pasa con los cuadros. He dejado de pintar rojos o dejado de pintar azules mar y empiezo con uno, dos, tres y para el quinto cuadro ya los recuperé. 

EL ACCIDENTE ARTÍSTICO

Hay que tener una relación íntima con los materiales, yo me muevo con lo experimental, en qué sucede si mezclamos agua y aceite. Voy a la tienda de materiales y herramientas buscando algo con qué hacer una textura, un color que mezclar, y me dicen “bueno, ¿qué pinturas utiliza?” pues todas, todo para mí es un elemento para experimentar y regularmente trato de no leerles la etiqueta para hacer accidentes, es como cocinar sin receta, “es que no tengo romero, que tal si le pongo albahaca” y ahí sucede la magia, la descubres. Les he dicho a mis alumnos que la técnica es la acumulación de accidentes controlados. Me ha sucedido algo por accidente, agarro la estopa y tallo la pintura tratándola de remover o salvar lo que sucedió y me gustó el resultado, lo vuelvo a repetir y lo empiezo a controlar, a conocerlo de otra forma y no de la forma que te dicen “eso se usa así”. Comencé a pintar como todos, con el pincel y de repente algo no salió bien y lo tallé con las manos y me gustó sentir la textura y se me formó el hábito de estar trabajando con las manos, tengo que sentir el cuadro.

LA LUNA DE MARICELA

No sé qué fue primero la pintura o la poesía porque a veces siento que cuando pinto todavía me faltan muchas cosas que decir, procuro escribirles poemas a los cuadros. Creo que la pintura es más una prolongación de la poesía, y me siento más poeta. Quisiera dedicarme todo el tiempo con la misma dedicación que lo hago con la pintura. Soy lunática, es más, afecta a mis periodos menstruales, veo una Luna y voy junto con los ciclos lunares, el estado de ánimo tiene mucho que ver, escribo más en tiempos de frío, en tiempo de invierno, me gusta mucho estar en el frío. 

Sin título (Periódico intervenido) / Lápiz de color, acrílico y plumón de oro falso sobre papel (Diario Extra) / 41 x 28 cm / 2016

Es poeta, pintora, fanática de recorrer la carretera en su motocicleta, de energía incansable, su pintura contrasta con su agitado ritmo de vida.  Se apasiona al leer sus poemas, que conoce de memoria, los repite para protegerlos del olvido.