lunes, 30 de mayo de 2016

Ramsés de la Cruz

“La pintura es una representación o trasfiguración de la realidad”

Inmanencia solar / Óleo sobre lino / 134 x 134 cm / 2016

RAMSÉS DE LA CRUZ
Por Avelina Lésper

LENGUAJE
En este desarrollo a través de los lenguajes encuentro dónde me siento más cómodo haciendo y generando este tipo de arte. Es una decisión biológica pues regreso y retorno a la pintura, al músculo, a la huella a tal grado de perfeccionarla o llevarla a un preciosismo y después regresándola para dejar algo gestual. En la pieza también se pueden ver esos procesos, uno más gestual, otro más figurativo y hasta algo un poco más depurado y creo que eso une y le da actualidad. En este caso poner el objeto, estudiarlo, viene siendo hasta un proceso de instalación que pasa por un proceso mecánico de fotografía. 

REFLEJO LABERÍNTICO
En algún momento de la universidad llegué a trabajar en talleres de restauración, unos tres años y ahí aprendí la hoja de oro, el proceso tradicional y me di cuenta cómo las estrategias en el arte han servido a los procesos religiosos como lo fueron los retablos, y al acercarme para ver por qué generan estos brillos como espejos con estas luces de velas, entonces especulé que generan una atmósfera mística y hasta fantasmagórica. 

REFLEJO Y REALIDAD
Es no parcializar la realidad; una pintura es una representación o trasfiguración de la realidad. Lo que yo quiero dotar es una posibilidad o una multipluralidad de posibilidades de interpretar un suceso y este suceso a su manera trasciende en su mismo espacio y se vuelve su paradigma. Si fuera un sonido sería mántrico porque es un constante resonar, llegas a tener unos estados de concentración tan profundos que te hace crecer, en este caso esta pieza habla acerca de esa inmanencia de cómo iluminar primero y crecer adentro con lo que se trae. 

REFLEJO MÍSTICO
En la repetición trato de que tengan ese juego de los nueve en los primeros planos y los demás a veces los tengo que falsear para que resulten estéticamente, puedo perfilar de manera que tal vez físicamente no ocurre pero estéticamente sí debe de suceder. En ese todo está la parte mística o metafísica de la vida, que no se trata de hacer nada más una imagen totalmente descriptiva, sino también que en su simbolismo yo ponga muchísimo más.

EL SOL DE RAMSÉS DE LA CRUZ
Manejo dos conceptos con mis cubos de espejos en esta obra, uno es la inmanencia, lo que podemos lograr personalmente, nuestro crecimiento que depende de nosotros y que viene hasta en nuestra información genética, y qué alcance podemos llegar con ello; y de esta manera genero este tenebrismo con una base roja que aplico en el cuadro, y una nueva dotación de luz. El otro concepto es la trascendencia, cuando uno alcanza la iluminación logra despertar tal vez sus niveles de conciencia, entonces se puede trascender a nivel colectivo, eso es lo que hace que el objeto se expanda. Hace una reverberación en su espacio, es un eco infinito. Todos podemos tener esa trascendencia biológica, paro a veces ciertos aspectos en la humanidad se juntan, tanto biológicos como sociales, para que algo se forje o se genere un nuevo paradigma.

Sin título (Periódico intervenido) / Óleo sobre papel (Diario Extra) / 41 x 28 cm / 2016





Estudió en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Querétaro, desde el inicio de su carrera se obsesionó con el tenebrismo y el barroco, con el contraste de luz y sombra que investigó hasta conseguir la multiplicidad de un reflejo casi psiquiátrico. 



lunes, 23 de mayo de 2016

Virginia Chévez

“El abstracto tiene un trabajo de miles de sentimientos profundos”

Más allá de cielo y mar / Acrílico, hoja de plata, pigmentos, carbón y óleo sobre lino / 134 x 134 cm / 2016

VIRGINIA CHEVEZ
Por Avelina Lésper

La plenitud espiritual que alcanza pintando es resultado de su entrega a la energía que la habita. 

HABLAR CON LOS MATERIALES 
Estudié con Ignacio Salazar, nos enseñó a cuidar la calidad de sus materiales, pintar con lo mejor, lograr una buena factura, una buena piel en tu cuadro. Desde ahí empecé a trabajar y a dialogar con los materiales, un tiempo estuve pintando solamente acrílico, que es un lenguaje distinto y después me adentre en el óleo que es mucho más complejo, es otro lenguaje totalmente. Es muy interesante trabajar varios materiales, cada uno va a hablar de una cosa distinta, cada tono, cada matiz habla de sentimientos de nostalgia, de tristeza, alegría, trato de expresar todo ese tipo de cualidades mínimas y sutiles en este contraste, que finalmente la pintura es trabajar con contrastes. 

CUERPO Y ALMA 
Empiezo a experimentar con el material como una buena bailarina que aprende técnicas con su cuerpo y luego baila, entra el espíritu, esa energía divina. Pinto desde ese espacio, mi camino ha sido espiritual desde hace varios años, tuve un psicoanálisis holístico durante ocho años: cuerpo, mente, alma y espíritu y eso me llevó a ser una persona íntegra. Lo que busco es la integridad como ser humano y conocerme a mí misma. Ese trabajo interno es el que pretendo plasmar en mi pintura, que tenga alma, cuerpo. Cada pieza que termino tiene alma pero necesito el buen oficio, la factura para poder expresar eso. 

CONOCER EL SER 
Pintar es esa búsqueda espiritual. Es un trabajo muy profundo, es conocerme a mí misma, que duele muchísimo, que nadie te dice lo difícil que es. Cuando llegué con mi psicoanalista me enfrentó con mi personalidad, con ese ego y lo más curioso es que primero hay que fortalecer ese ego para deshacerte de él y entonces empezar a navegar de otra manera.  El abstracto no son rayones, tiene un trabajo de miles de sentimientos profundos porque a mí no me gusta hablar de emociones, tengo que ir a más. Cuando pinto es una meditación profunda, pido al Universo trabajar a través de esta energía, plasmarla y que sea un espejo para mí, para el espectador, porque esa energía que yo tengo, tú la tienes y todos. Pretendo que el cuadro sea un espejo que tú veas y digas: hay algo más allá de la técnica que es un reflejo de mi propia energía divina, por eso trabajo con mantras.

LA LUNA DE VIRGINIA CHÉVEZ 
Empiezo a rayar, a ensuciar y a escribir, me gusta muchísimo el Om mani padme hum, el mantra del muro de la compasión, es muy poderoso, carga a la pieza.  En esta ocasión, antes de pintarlo hice un bordado sobre el lino de un poema de Ana María Zaldivar, ella fue mi psicoanalista durante ocho años, es un verso sobre la Luna, está dentro del elemento pictórico, es la parte femenina, porque la Luna me remite a esa energía. Pretendo ser un vehículo de esa energía para que sea un espejo de lo que tú eres y entonces me divierto muchísimo pintando, hay quienes  sufren, yo no. A mí me interesa muchísimo la luz, pero la luz que viene de la oscuridad; la luz de esa personalidad tan trabajada. Hay una luz porque estás iluminando la oscuridad y también me gustan mucho los colores metálicos porque son destellos de luz que sorprenden y dan el flashazo en una sombra, busco la luz en el contraste con la oscuridad. 

Sin título (Periódico intervenido) / Acrílico, hoja de oro, pigmento, carbón y óleo sobre papel (Diario Extra) / 41 x 28 cm / 2016 



El psicoanálisis holístico la arrojó a pintar desde el conocimiento de sí misma, con veinte años en el oficio esta profundización continúa, y del dolor va al placer de pintar. La técnica y los materiales funden un cuerpo al que ella le entrega el alma. 





lunes, 16 de mayo de 2016

Jorge Luna

“Trabajo prácticamente con el inconsciente”

El Sol y sus cabriolas / Óleo sobre tela / 130 x 130 cm / 2016

JORGE LUNA
Por Avelina Lésper

El placer por la contemplación lo arrojó a pintar el detalle absoluto en su obra.

ABRAZAR EL OFICIO
Uno de los días más placenteros de mi vida es el día que dije “ya no tengo que ir a trabajar”, tengo mis pinturas esperando. Claro que ya había vendido cuadros, había expuesto y me permití esa libertad, y fue increíble llegar a mi estudio una mañanita y ponerme a pintar. Como pintaba en las tardes, no es lo mismo la luz del día, tampoco es lo mismo tomar las cosas, la pintura físicamente, las brochas y el placer de usar las manos que son una herramienta tan fina, tan sofisticada.

EL TRANCE DE PINTAR
Usar la mano me lleva a un trance. Hay veces que estoy trabajando prácticamente con el inconsciente, estoy pensando en otras cosas, escuchando música y no me doy cuenta de lo que estoy haciendo. Estoy aplicando los colores y ni siquiera sé la combinación que estoy haciendo, hay veces que el color tiene una expresión emocional que no puedo explicar con palabras. Aplico un poco de rojo para calentarlo, para darle sensualidad, o lo enfrío porque estoy trabajando con la temperatura que es lo que da emotividad al color; entonces hay veces que no me doy cuenta, lo estoy trabajando pero me dejo llevar horas y se me va el tiempo y ni sé lo que hice, y siento que estoy más conectado con la tierra. 

CONTEMPLAR LAS FORMAS
Te dejas envolver, te dejas fascinar, por ejemplo la lechuga, cuando veo la escarola con tantas formas, veo cómo se forman los pliegues, cómo vienen estas curvas y luego se multiplica en holanes, entonces la analizo y además es una belleza. Creo que dejarse llevar por la fascinación es una de las cosas más importantes del arte, y es una cosa que hemos perdido muchísimo, se perdió la capacidad de contemplar, estamos tan entretenidos, tan bombardeados de tantas imágenes y cosas, ruido, opiniones, que de repente no contemplas esa curva y sobre todo las geometrías y las armonías. Es lo que los artistas hacemos, estás contemplando y al contemplar te proyectas, te encuentras, porque ahí encuentras tus sensaciones. Lo que estás sintiendo, lo que estás pensando, lo vas a encontrar en lo que estás viendo.  

LA BELLEZA
Es el gozo, es la sorpresa, incluso puede ser el miedo, el terror.

EL SOL DE JORGE LUNA
Me puse a ver imágenes de la NASA de las cabriolas del Sol, yo estaba fascinado y dije: es que parecen plantas. Desde hace tiempo quería hacer la lechuga y pensé que la materia, al transformarse en sus formas más sutiles, es como si el fuego se replicara de una manera más difusa. La vegetación o cosas que nos resultan un poco más familiares son porque nosotros recibimos una dosis de luz, de calor muy específico y, si no fuera así, no tendríamos el planeta que tenemos, el agua no sería líquida, pero esa dosis tan específica de luz y de calor la tenemos que cuidar porque es un regalo sagrado. Hay que tener precauciones con el calentamiento global porque tenemos un planeta increíble y eso es gracias a la dosis que nos da el Sol. La lechuga es una fiesta de vida, es puro regocijo, las formas que tiene, es preciosa, y todavía te la comes y te celebra el sabor en la boca, es una maravilla. Puedes concentrarte si tienes ese tiempo de dedicarle contemplación a una cosa, por pequeña o insignificante que sea, puedes encontrar ahí una fuente de inspiración que no se te acaba.

Sin título (Periódico intervenido) / Óleo sobre papel (Diario Extra) / 41 x 28 cm / 2016





Desertó del  mundo virtual del diseño gráfico, un día se negó a entrar en su oficina y se dedicó sólo a pintar. Mientras pinta escucha audiolibros de filosofía que estudia con la misma vehemencia con la que analiza las formas. El realismo es parte de esa concentración.





lunes, 9 de mayo de 2016

Tatiana Montoya

“La pintura y el arte son una cuestión de impulso, de necesidad interior del talento”

Cráter de Luna / Polímeros mixtos, acrílicos metálicos, hoja de plata, hoja de auminio, polvo de plata y diamantina sobre masonite / 130 x 130 cm / 2016

TATIANA MONTOYA
por Avelina Lésper

Su pintura no conoce fronteras entre estilos y formatos, las nociones naturales conviven con geometrías. 

EQUILIBRIO MATERIAL 
El artista es un reflejo de su tiempo, es una esponja de lo que vivimos, creo que es uno de los puntos más importantes y lo que me motiva a entender el mundo en el que vivimos a través del arte. La búsqueda del equilibrio en este gran desequilibrio planetario, que finalmente hemos orquestado en este tiempo, me lleva a pensar la búsqueda de los materiales, ver este desajuste en la naturaleza que cada día es más alarmante. Estamos en un momento en esta disyuntiva en donde la evolución humana ha llegado a este punto de tecnología pero hemos dejado esa parte orgánica, de ese equilibrio universal y primigenio. El gran reto que tenemos en este momento con las nuevas generaciones es retornar a ese punto de equilibrio. 

EQUILIBRIO ABSTRACTO Y FIGURATIVO
El referente de la obra es una obra abstracta pero siempre hay una  relación que se acerca a esa figuración. No pretende ser figurativa, pero sí quiero dar una noción, dar una referencia, dar una idea, es lo que me hace realmente personalizar más ese aporte como trabajo.

PINTURA Y GÉNERO
La pintura y el arte no es una cuestión de género, es una cuestión de impulso, de necesidad interior del talento si se quiere canalizar unos recursos personales, sea un hombre o una mujer. Hay  extraordinarios artistas mujeres como hombres, desde toda la Historia ha sido así. En tiempos antepasados estaba muy estigmatizado el espacio para las mujeres. ¿Cuántas mujeres que quisieron tenían ese impulso, esa fuerza, tuvieron que usar seudónimos masculinos para tener un espacio y un lugar? En este momento, en esta búsqueda de equilibrio universal, encontramos cada vez más esa compensación de factores y de valores que son más equitativos entre hombres y mujeres.

EQUILIBRIO FUTURO
Lo que queda en la historia de cada época es el arte. El arte sigue siendo un referente para la Historia y para la humanidad; hoy el planteamiento del arte es cuestionar, es hacer un aporte de reflexión en una sociedad cada vez más fast food: una vida de comer rápido, de vivir rápido, se nos han vuelto los días y la vida un poco desechables; como los celulares, la tecnología y todo de lo que el sistema nos quiere inundar. La naturaleza y el mundo nos están haciendo una reflexión, que pongamos un alto: ¿hacia dónde va todo, estas masas y este crecimiento exacerbado?

LUNA DE TATIANA MONTOYA
Es un pedacito de Luna, es un cráter. Lo que me motivó a ello es pensar en los recursos que tenemos a través de la tecnología, es increíble poder ver el Universo, son cosas que eran inconcebibles en el pasado para el ser humano, por ejemplo, hoy podemos ver el lado oscuro de la Luna a través de fotografías satelitales. Llegar a este punto, a este detalle mínimo, del micro a este gran macro de existencia es algo que me parece fascinante, tomé una pequeña partícula para de este micro hacer un concepto macro. Tiene una gran carga de relleno, es un cráter, es lo que implica un impacto, es la coalición entre dos elementos y ése es el origen de todo, así empieza el Universo, así empieza la vida con el encuentro de dos elementos. Es el impacto que se da entre la intervención de uno en otro.

Sin título (Periódico intervenido) / Acrílico y hoja de plata sobre papel (Diario Extra) / 41 x 28 cm / 2016



Nos dice que finalmente se ha apropiado de sus dos hogares, Colombia y México, en donde lleva veinticinco años viviendo y ha desarrollado gran parte de su carrera. Llegó con una beca de la UNESCO y se quedó en este país. Su obra es de gran formato, concentrada en una estética que refleje el equilibrio.  









sábado, 7 de mayo de 2016

Avelina Lésper en el documental "El Espejo del Arte"

En el año 2013 Pablo Jato entrevistó a Avelina Lésper, directora de la Colección Milenio Arte, para su documental "El espejo del Arte". Compartimos aquí el fragmento:

martes, 3 de mayo de 2016

Leonel Maciel

“No me interesa ser moderno, el arte no tiene tiempo”

Sol / Acrílico y óleo sobre tela / 130 x 130 cm / 2016

LEONEL MACIEL
Por Avelina Lésper

Vital, memorioso, sabio, hedonista, vive en Cuernavaca rodeado de su obra y sus amigos, le gusta cocinar y su pintura es parte de ese placer.

LA PINTURA ES DESTINO
Saliendo de La Esmeralda no sabía qué hacer, porque a mí no me interesaba ser pintor. El destino mete su cuchara donde no debe y resulta me ofrecen un trabajo en la Unidad Independencia que la inauguró López Mateos del brazo de Charles de Gaulle, me da la cátedra de pintura y nosotros inauguramos los talleres de arte. Entré a dar clases ahí y en La Esmeralda, y me puse a pintar con los alumnos pero llegó un momento en que me di cuenta que yo no servía como maestro, los alumnos me hacían enojar mucho, terminaba peleándome con ellos. No servía yo para dar explicaciones, ¿qué hice? Me fui a Europa.

VIVIR PARA VIVIR
Muchos dirían que en Europa vieron muchísima pintura, yo vi lo que tenía que ver. Para empezar fui a Nueva York, luego Islandia, luego el resto de Europa, allá no hice nada más que andar caminando y llevar la vida como se me iba presentando, como me ha sucedido siempre. Pablo Neruda escribe en su hermoso libro Confieso que he vivido, tengo un amigo que murió hace unos siete años que le gustaba mucho el trago y él escribió que confesaba “cómo había bebido”, yo confieso que “no sé cómo he vivido”.

VIVIR HOY Y AHORA
Cuando yo decidí dedicarme a la pintura me dije “si voy a ser pintor, voy a hacer lo que se me antoje”. No estoy por el estilo, no me interesa el estilo, no me interesan las escuelas, no me interesa el pensamiento de los demás, me interesa lo que yo voy pensando de acuerdo al mundo que me ha tocado vivir. Voy desarrollando mi propio pensamiento. Que si mi pintura es actual, que si no es actual, digo, mientras yo la esté haciendo es actual. Eso que dicen “no qué, es que en mis tiempos…” mis tiempos han sido desde que yo nazco hasta que vaya a morir, todo es mi tiempo.

CREAR SIN TIEMPO
Nos hemos ido volviendo muy asépticos al hacer arte y me refiero en términos generales. Cuando escucho a los muchachos que hablan de música “que si es el rock, que si es el otro, que si por aquí, por allá”, bueno, ¿y dónde está la rebeldía del creador? ¿Por qué todo tiene que ser de allá? ¿Qué no tengo nada adentro, no hay nada en mi pequeño entorno nacional que me influya, que me dé? En el arte, todo lo moderno nos lo tienen que mandar de afuera ¿qué es lo que pasa? Nosotros nos colgamos en el tren, pero ni siquiera adentro del tren, ni siquiera adentro del cabús, sino colgados del cabús. Y a todo esto ¿por qué tengo que ser moderno? No me interesa ser moderno, el arte no tiene tiempo.

PINTAR EL TODO
Siempre he dicho que no es tema, el tema es un pretexto, el tema puede ser ahorita, lo que estamos hablando son ideas, lo que estoy viendo me da ideas. Pero, ¿cómo voy a tratar el tema? Antes existían los temas heroicos y hubo un momento en que eso se supera, el tema puede ser, qué sé yo, el vuelo de una mosca, o la nada ¿qué voy a hacer con la nada? ¿Cómo voy a tratar la nada? Lo importante es saber qué hacer con eso.

EL SOL DE LEONEL

Es que por pintar un Sol amarillo sobre un fondo negro dije “al Sol lo vemos a través de un gran vidrio, y en todas imágenes que vemos por fotografía, por los telescopios, el Sol está lleno de formas, de manchas”, y empecé desde el fondo amarillo hacia delante hasta llegar a estas manchas rojas. Después me digo “persona es vida y es muerte, y ¿cuál es la planta creadora de nutriente del mexicano y que ahora es del mundo?” El maíz y nosotros somos la cultura del maíz, los primeros hombres fueron de maíz, pero primero viene Nanahuatzin, el Sol, y luego Tecuciztécatl, la Luna, y siempre me ha gustado la Luna menguante ¿por qué no ponerla ahí? Entonces es vida y muerte. 

Sin título (Periódico intervenido) / Acrílico sobre papel / 41 x 28 cm / 2016




Es un pintor que quería ser aviador, tal vez por eso es un gran viajero y un buscador de sitios desconocidos. Se negó a ser pintor hasta que la pintura lo acorraló, nació en 1939, y dibuja con decisión desde los ocho años, estudió en la Esmeralda, pero la vida fue la que le mostró lo que debería pintar.